Photographes : êtes-vous pictorialiste ou moderniste ?

Comment Photoshop (et l’IA générative) s’inscrivent dans le balancement historique de la photographie

Vous venez de prendre une photo magnifique. Votre doigt hésite au-dessus du bouton « Modifier ». Devriez-vous ajuster les couleurs ? Ajouter un filtre ? Ou publier l’image brute ?

Cette hésitation n’est pas nouvelle.

Elle divise les photographes depuis 150 ans.

La naissance d’un débat

Aux débuts de la photographie, on la percevait comme une simple reproduction mécanique du monde. Les appareils étaient encombrants. Le traitement prenait des heures. Les temps d’exposition s’éternisaient. Presque toutes les photos étaient des portraits ou des paysages.

Mais ce n’était pas de l’« Art ».

La peinture définissait l’art — elle exigeait talent et compétence après des années de formation. Les photographes ? Ils appuyaient sur un bouton. Clic. Puis faisaient beaucoup de chimie.

Le processus ne ressemblait tout simplement pas à de l’art.

La révolte des artisans de l’image

Certains photographes ont rejeté cette position avec véhémence. Ils croyaient que la photographie pouvait être de l’art. Un mouvement est né : le pictorialisme.

Ces pionniers n’appuyaient pas seulement sur le bouton. Ils transformaient un cliché en œuvre d’art par un travail supplémentaire considérable.

Des années 1860 jusqu’à plus de cinquante ans plus tard, des visionnaires comme Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander, Julia Margaret Cameron et Edward Steichen ont employé diverses techniques de transformation :

• Adoucir la netteté pour créer une atmosphère onirique
• Utiliser des papiers et émulsions spéciaux
• Colorier les tirages à la main avec minutie
• Combiner plusieurs négatifs pour créer des montages complexes

Ils choisissaient souvent des sujets allégoriques ou mythologiques. Chaque élément était posé méticuleusement. Chaque détail comptait. Les compositions évoquaient les maîtres de la Renaissance.

Pour eux, la photographie était un point de départ, jamais une fin.

L’arrivée des puristes

Le nouveau siècle a tout bouleversé.

Nouvelles caméras. Films plus rapides. Sujets dynamiques. Points de vue inhabituels. Les images produites changeaient radicalement. L’approche du photographe évoluait.

Les partisans de l’intervention pouvaient s’installer en studio et orchestrer chaque détail. Les nouveaux photographes shootaient dans le monde réel et complexe, composant à la volée. Ces chasseurs d’instants estimaient que l’acte de photographier lui-même imposait leurs objectifs créatifs.

Les artisans de l’image trouvaient cette approche bon marché. Non planifiée. Hasardeuse.

Une bonne photo ? Pure chance, selon eux.

Ils refusaient de croire à cette sorte de chance.

Le virage de Stieglitz

Alfred Stieglitz, qui avait commencé les années 1900 comme leader intellectuel du mouvement pictorialiste, a changé d’opinion sur la forme d’art. Il était l’arbitre de fait de l’art photographique à cette époque. Il embrassait déjà une forme de modernisme industriel de la côte Est comme nouvelle approche.

Affamés de l’approbation de Stieglitz, une douzaine de photographes californiens se sont réunis.

Edward Weston. Imogen Cunningham. Ansel Adams.

Ils ont offert leur version du modernisme qu’ils ont appelée « f64 ».

La photo suffisait. Elle n’avait pas besoin d’être retouchée pour imiter une peinture. Elle n’avait pas besoin d’embrasser les attributs du monde moderne pour être moderne.

Ils ont embrassé les propriétés optiques de la technologie. Leurs images étaient modernes parce qu’elles montraient des choses communes de manières inhabituelles — avec le cadrage, l’éclairage et la perspective. Ils jouaient avec l’échelle et l’abstraction.

Extrait du manifeste f64 :

[Nous voulons des photographes] qui s’efforcent de définir la photographie comme une forme d’art, une présentation simple et directe par des méthodes purement photographiques. […] La photographie pure est définie comme ne possédant aucune qualité de [technique], de composition ou d’idée, dérivée d’une autre forme d’art.

Contrairement aux images floues produites par les sculpteurs photographes, ces puristes insistaient sur la clarté absolue. Ils allaient jusqu’à nommer leur groupe d’après l’ouverture de la taille d’un trou d’épingle qui produirait une profondeur et une netteté énormes.

Cette netteté les séparait autant des partisans de l’intervention que de la mauvaise résolution des amateurs.

Deux philosophies, un art

Le saviez-vous ?

Au XXᵉ siècle, l’appareil photo est devenu un outil de photojournalisme avec son éthique de non-intervention. Pendant un temps, le document photographique était populairement perçu comme « vérité ».

Même lorsque Weston a affirmé dans les années 1920 que toute photographie était une « distorsion volontaire du fait ». Que même l’image la plus « authentique » était toujours le résultat des biais du photographe.

C’était précisément parce que toute photographie était une sorte de fiction qu’elle pouvait être une forme d’art.

La véritable anomalie était son utilisation simultanée dans le journalisme, où ce médium totalement subjectif était ironiquement aussi un document de réalité objective. Comme nous le rappellent maintenant les nouvelles technologies, les images sont malléables. Bien qu’elles l’aient toujours été, cela aussi a été démocratisé.

Les frontières floues

Les lignes entre ces camps ne sont ni solides ni permanentes.

Ansel Adams a commencé comme partisan de l’intervention mais a finalement rejoint sa communauté comme puriste. Pourtant, son travail en chambre noire pour créer une belle photographie était conséquent. Il avait plus en commun avec des sculpteurs photographes comme Jerry Uelsmann qu’avec un minimaliste de l’intervention comme Henri Cartier-Bresson.

Cartier-Bresson n’imprimait généralement pas ses propres photos. Pour Adams et Uelsmann, la chambre noire était la clé de leur créativité.

Quand Adams a dit célèbrement « le négatif est la partition et le tirage est la performance », il suggérait que le négatif n’était que le point de départ. L’art était dans l’exécution unique de chaque tirage.

Moins largement reconnu était qu’il faisait également référence à l’effort littéral en chambre noire. Comme Uelsmann, où chaque tirage impliquait une chorégraphie compliquée de brûlage et d’esquive.

Ils faisaient tous deux cela comme une véritable danse.

Une performance privée.

La révélation d’Uelsmann

Voici le paradoxe fascinant : Jerry Uelsmann, même avec toute sa pensée avant-gardiste et ses images surréalistes, le photographe le plus moderne et unique des années 1970 était un artisan de l’image.

C’est pourquoi il a créé un autoportrait en hommage à Henry Peach Robinson et Oscar Gustave Rejlander, se positionnant comme l’héritier de ces pionniers qui combinaient plusieurs négatifs et manipulaient extensivement leurs images pour créer des compositions complexes. C’est pourquoi il a noué une relation profonde avec Ansel Adams, un autre maestro de la chambre noire.

Leur capacité à repousser les limites du tirage a annoncé le début de la fin du modernisme.

L’ère numérique : le retour des sculpteurs

Aujourd’hui, nous ne considérons plus ces divisions en photographie. Certainement pas dans le monde dans lequel pratiquement tout le monde est photographe.

Mais, je crois que les distinctions originales valent la peine d’être révisées.

Gregory Crewdson : le pictorialiste contemporain

Gregory Crewdson incarne parfaitement l’esprit des artisans de l’image modernes. Ses photographies nécessitent des équipes entières, des décors élaborés, un éclairage cinématographique complexe. Chaque image prend des semaines de préparation.

Il ne « prend » pas des photos. Il les construit.

Comme Robinson et Rejlander avant lui, Crewdson crée des tableaux photographiques qui racontent des histoires. Ses images de banlieues américaines inquiétantes sont méticuleusement orchestrées. Post-production extensive. Retouches numériques. Manipulation de la lumière et de la couleur.

La photographie est son médium, mais son approche appartient entièrement à la tradition pictorialiste.

Vivian Maier : la puriste cachée

À l’opposé, Vivian Maier représente le modernisme dans sa forme la plus pure. Cette nounou inconnue de son vivant shootait dans les rues de Chicago et New York avec son Rolleiflex.

Pas de mise en scène. Pas de retouches. Pas même de tirages — elle ne développait pas ses pellicules.

Elle capturait l’instant décisif. La vie telle qu’elle se déroulait. Compositions spontanées mais parfaites. Netteté impeccable. Authenticité totale.

Maier n’a jamais cherché à transformer ses captures. Pour elle, l’acte de voir et de cadrer était l’art lui-même.

Instagram et les filtres : néo-pictorialisme de masse

Une caractéristique de cette ère numérique est qu’elle est souvent orientée vers des images modifiées pour ressembler à quelque chose qu’elles ne sont pas.

Pensez aux filtres Snapchat et Instagram.

Photos rendues par des processus alternatifs : ferrotypes, cyanotypes, Polaroids. Toutes ces tendances sont particulièrement pictorialistes. Ces photos essaient de se faire passer pour anciennes.

Comme les premiers partisans de l’intervention ressentaient le besoin d’émuler la peinture.

Le modernisme, avec sa dévotion à une approche naturaliste, une prise de vue « pure » directe, habituellement réduite au monochrome, est étrangement l’alternative « à l’ancienne ».

Le dilemme éthique moderne

Cette division philosophique a des conséquences réelles.

Quand Steve McCurry (célèbre pour « La jeune fille afghane ») a été pris en train de retoucher lourdement ses photos documentaires, le scandale a éclaté. Pas parce qu’il modifiait ses images — mais parce qu’il se présentait comme photojournaliste.

Un sculpteur photographique qui prétend être un chasseur d’instants.

Le problème n’est pas d’être artisan de l’image ou puriste. C’est de prétendre être ce qu’on n’est pas. C’est la dissonance entre la méthode et la présentation qui crée la controverse.

L’IA générative : pictorialisme ultime ?

Les « peintures images » produites aujourd’hui par les outils Adobe et l’IA générative ne sont pas très différentes de celles produites à la fin des années 1800. Les artistes qui utilisent ces outils peinent souvent à se sentir légitimes dans un monde photographique.

Peut-être que s’ils s’identifiaient comme néo-pictorialistes, moins préoccupés par les attributs d’authenticité et embrassant les attributs d’imagination, ils pourraient mieux s’aligner avec les flux et reflux de l’histoire photographique.

L’IA générative pousse simplement la logique pictorialiste à son extrême : l’image finale importe plus que le processus de capture. La vision artistique prime sur la fidélité documentaire.

Comme mouvement, je dirais que la dominance du modernisme s’est terminée avec l’arrivée de la photographie numérique. La plupart des photographes penchent maintenant vers l’agenda des artisans de l’image.

Découvrez votre approche

Posez-vous ces questions :

A. Passez-vous plus de temps à shooter ou à éditer ?

• A : J’édite longuement chaque image
• B : Je shoote beaucoup, j’édite peu

B. Vos meilleures photos sont-elles planifiées ou spontanées ?

• A : Planifiées et orchestrées
• B : Spontanées et capturées sur le vif

C. Supprimez-vous des éléments « gênants » de vos compositions ?

• A : Oui, régulièrement
• B : Jamais, ou très rarement

D. La « pureté » technique vous importe-t-elle ?

• A : Pas réellement, le résultat compte
• B : Énormément, c’est essentiel

E. Vos références sont-elles d’autres photographes ou d’autres arts ?

• A : Peinture, cinéma, arts graphiques
• B : Autres photographes principalement

F. Comment décririez-vous votre processus créatif ?

• A : Je construis des images
• B : Je capture des moments

G. Que pensez-vous des filtres et préréglages ?

• A : Outils essentiels de mon expression
• B : À éviter autant que possible

Majorité de réponses A ? Vous penchez pictorialiste. Vous êtes un sculpteur photographique qui façonne la réalité selon votre vision.

Majorité de réponses B ? Vous êtes moderniste dans l’âme. Vous êtes un chasseur d’instants qui révèle la beauté cachée du monde.

Mélange équilibré ? Vous chevauchez les frontières, comme les plus grands.

Alors, quel type de photographe êtes-vous ?

Peut-être aucun des deux.

Probablement, les deux.

L’histoire nous enseigne que les plus grands photographes ont souvent chevauché ces frontières. Adams le partisan de l’intervention devenu puriste. Uelsmann le moderniste qui sculptait ses tirages comme un artisan de l’image.

La vraie question n’est pas de choisir un camp.

C’est de comprendre lequel vous habitez naturellement et pourquoi. Parce que cette conscience transforme l’intuition en intention. Elle vous permet d’assumer pleinement votre approche sans que vous vous excusiez.

Vous êtes un sculpteur photographique ? Embrassez la post-production. Créez sans culpabilité. Votre lignée remonte à Robinson et Cameron.

Vous êtes un puriste ? Célébrez la capture pure. Refusez les compromis. Votre héritage vient de Cartier-Bresson et Maier.

Et, l’intention, justement, c’est ce qui sépare le snapshot de l’art.

Peu importe que vous transformiez ou révéliez, que vous construisiez ou capturiez. Ce qui compte, c’est que vous le fassiez avec conscience, cohérence et conviction.

Parce qu’au final, ces deux philosophies partagent la même ambition : élever la photographie au rang d’art. Elles empruntent simplement des chemins différents vers le même sommet.